REWORK

Tomamos como pulpos lo que tenemos a nuestro alrededor; devoramos, ingerimos y devolvemos otra cosa. ¿Pero cómo / qué / porqué se genera ese archivo, ese banco de datos en cada uno?... (Archiva).El supuesto, a la manera de la antropofagia brasilera, es que ésta interacción de elecciones y devoluciones, de idas y vueltas, genera el intersticio donde cada persona revela su mecanismo, como un CPU abierto. El procesador ante todo... (Procesa).Arrancamos con pintura sobre pintura, la propuesta fue una intervención sobre imagen de otro. Lo sucedido sorprendió: la profundidad de la contraseña más allá del usuario, medios y soportes, el gesto de la consigna despojado de cualquier prejuicio, se reveló inconmensurable... (Explora).
Para este proyecto, el grupo que expone respondió 5 preguntas a modo de machete. La diversidad esta subrayada en las obras y en los procesos evidentes de cada uno pero a la consulta sobre qué resultado les devuelve la intervención como accionar, se repetían las palabras aprendizaje, apertura, crecimiento, alquimia. Uno no es sin el otro. Nos reunimos y podemos generar un nuevo conocimiento desde la construcción grupal.
Otra particularidad de las intervenciones que se hacen hoy presentes, es que el valor agregado está íntimamente ligado con el sistema de producción desde una connotación afirmativa, no como en otras obras donde el eje de la intervención es irónica o deconstructiva con un juicio de valor pernicioso como objetivo mismo del artista: acá no se busca rebajar el valor de la cosa, sino hacerlo progresar: reinventar, re bautizar, revelar, reconciliar, renovar, reconstruir, restaurar, reciclar, redefinir, remodelar, reinterpretar, reformular, reiniciar.

A.M.

PD. Mi intención y los modos han sido muy diferentes de los convencionales de un curador. Acá no hay nada que curar, no hay consigna sobre temática o materia sino sobre una inquietud en el proceso. La gestión de la muestra es resultado de una preocupación y necesidad como artista. Tampoco se trata de una obra colectiva. No pretende otra cosa que saciar un apetito de conocimiento y como la idea resulta en un banquete para deleitarse, queremos compartirlo con ustedes,…buen provecho.

Ave M.I.L.
Maria, entre las millones de cosas que solo ella puede hacer, realiza escenografías para cine y tv. Para la película de Javier Torre sobre la vida de Lola Mora, realizo varias reproducciones del pintor italiano Paolo Francesco Michetti, maestro de LM. Son reproducciones de un trabajo en proceso del artista, que se encontraban en la instancia taller.Su labor como escenógrafa le impuso realizar trabajos por encargo que de otra manera ella creería no haber hecho: aprende en la obligación del encargo, trabajando para otros, por hacer cosas que no son de sus referencias directas o sus formatos comunes (como telones inmensos). Todo gran ejercicio nos fuerza a transitar nuevos caminos. Recuperando una de estas telas work in progress del pintor italiano, Maria intenta tergiversar un precepto histórico, llevando la efigie de un impresionismo de finales de siglo XIX a una evocación de estilo prerrafaelita, con resoluciones propias del Medioevo tales como los cielos que se recortan, la proporción jerárquica de los personajes, la visión cenital (una connotación más que espiritual donde cielo y tierra se confunden, sin un horizonte claro que los separe). Fiel a las figuras, toma los elementos de la pintura pastoril: las campesinas, las ovejas, pero inventa una nueva historia, una alegoría, donde la pastora de las pastoras como una diosa se le aparece a la figura más terrestre que sostiene un corderito. Entre las dos, el arbusto en llamas que recarga este encuentro mágico, situándose justo ahí entre las miradas de la mujer y la diosa. Elije esta tela entre las otras reproducciones, quizás, porque en una de sus últimas pinturas también actúan dos mujeres y la intervención le devuelve una incursión al estudio de las ovejas, mirando muchas fotos con la notebook al lado del lienzo. Maria le insufla una fe personal a este encargo de hace 15 años a modo de re bautismo También dice que se reconcilia con la "Primavera" de Botticelli en un acto de seducción entre lo antiguo y lo moderno, abriendo nuevas brechas en su labor para seguir explorando, trabajando y aprendiendo.

Making off de la historieta de tus sueños
Fede empezó en el 2007 a estudiar paisajes montañosos, pensando en el Tibet y en el Himalaya, para un grupo de 25 trabajos que mostraría después en Arteba. Desde aquel tiempo las montañas se volvieron icono en sus series, perdiendo la referencia en el mapa. Así como los rockstar pierden sus características particulares y sobrellevan la transformación en atractivos ídolos.A la hora de componer, vía photoshop y dibujos, genera también collages de fotografías. Las fotos son indispensables en su base de datos, además de la música. En el 2008, decide llevar a la instalación final este eslabón perdido del proceso (la fotografía). Muestra en el espacio Librería Correveidile una ventana que le de respiro al atiborrado lugar, con la ayuda de un wallpaper de montañas, esos que se usaban mucho en la decoración de los 70. Vuelve a la carga con esta foto que invade el muro, revelando parte del proceso, en la superposición de las capas que componen gran parte de su obra. Intervención-instalación como una especie de confidencia austera de sus procesos: la pintura sin terminar, en instancia intermedia sin colorear, se rellena con el fondo, en un efecto de cámaras que deja un sabor nostálgico, el video clip de ensueño, donde la melodía suena en silencio.

Vandalismo embellecedor o ecología visual
Otto cosecha lonas publicitaria y las pinta con oleo. Encuentra en la lona un material ideal para soporte y hace una alquimia trocando en placer para el nervio ocular la antigua contaminación visual. Ya en el 2005, había restaurado y decorado, dando cálida proyección, una de las cosas más inmundas del IUNA: el baño de varones. Es un rebelde con causa.En esta oportunidad, nos muestra un extracto de lo que será su próxima individual en esta galería y también un vestigio de una instalación anterior ("boceto a posteriori de una instalación site specific"). Pasado y futuro en consonancia. A principios del 2008, hizo una “H” gigante en el patio del Di Tella para que la sombra de la misma se proyecte sobre un cuadrado blanco indicando un helipuerto (¡un helicóptero aterrizó en el lugar señalado!). Con el nuevo gobierno, se encuentra que en las lonas de “haciendo buenos aires” una gran “H” se posa sobre un plano amarillo…y son lonas. Demás está decir, que al igual que Naty y quien escribe, Garabello Borus confirma su propiedad intelectual sobre las cosas cuando esta sincronicidad, cual señales del más allá, le confirma el camino o el puerto de aterrizaje, así como esta muestra le caía como anillo al dedo a su proyecto en carrera.

La puerta está abierta
Las pinturas de Natalyrc son como una adivinanza. Rodea los ejes con cadenas de asociaciones libres de prejuicios y rellenas de aquella sincronicidad que describía Otto (o las señales del otro lado). Sin nombrar el tema, como en un acertijo donde la única palabra prohibida es la respuesta, crea una enorme parábola que abre compuertas de la pintura. Las referencias a los grandes temas (ventana, paisajes, retratos, naturalezas muertas, etc.) son su paleta para el collage y los grandes maestros sus puntos de despegue. Solo despegue porque después vuela muy alto.Natalyrc se tomo muy en serio el ejemplo de pintura sobre pintura en la consigna de la muestra y compone en estas obras con dos instancias bien diferenciadas: telas y parches. Los parches de pintura están hechos con acrílico sobre plástico. Al igual que Fede, usa el plástico para calcar una figura que le interese (copos de nieve, personas,…) pero después retira la materia del plástico, resultando un sticker de colores que se pegan luego con el acrílico mismo. Pintura sobre pintura, complejizando el proceso de pintar, pero resolviendo la neurosis de cualquier composición con las maravillas del collage. Puede probar con sus stickers montones de posibilidades antes de adherirlo al soporte en la ubicación final. Paradójicamente, estas instancias diferenciadas no significan que no se mezclen o cambien roles; la performance vuelve a la carga dificultando cualquier categorización y pega un bastidor sobre otro, cual remiendo, armando escalados escenarios. Abre el portal de la pintura y no podemos prever de ningún modo que brotara de las entrañas.

Lavado de Cara
Alina estira la consigna, pasando por el reciclaje de soportes, reformula sus antiguas pinturas haciendo de ella misma otra persona. Se diferencian Alina Pasada y Alina Presente. A. Presente retoma las pinturas inacabadas y las que en su momento estuvieron terminadas, pero ¿Por qué tomar una pintura de series anteriores y taparla? Negarla por así decirlo.
Esta acción viene de la mano de una fuerte creencia: la mutación, la transformación es evidencia y fracción del crecimiento. Los tiempos se vuelven cíclicos, movimiento continuo. En su obra pareciera que la autobiografía se camufla en lo simbólico. En la instalación que presenta en la galería Miau Miau, el vestido deviene en autorretrato y la cabeza-caracoles invoca, con fantasía, la infancia: la niña y la adulta. Por cierto, un collage de paleta negro, rosa y crema muy Coco Chanel. O mejor dicho, “Maria Antonieta con Converse”.Series del pasado quedan por debajo de la nueva pintura, cual etapa superada, listo, ahora a aprender otras cosas, a moverse para seguir caminando. La cuenta nueva sin el borrón, es tarea arqueológica: si uno va excavando las capas, encuentra. Ella busca conectar sus mundos: imaginarios, pasados y presentes. Quiere que su pintura contenga en sí misma un código encriptado. No así como en sus obras de teatro (donde los personajes le reclaman historias, psicologías y personalidades) en sus retratos solo quiere dar la impronta del gesto mismo, de la mueca, del segundo donde al mirarnos la cara te traiciona y te expones en un presente eterno o en triste melancolía del pasado.

Naturaleza arremete
Adrie trabaja motivada por la invasión de las plantas en cualquier tipo de fisura, por un movimiento sutil pero constante que doblega concreto, hierro, no tiene obstáculo alguno. Las plantas invaden los cuadros abandonados, aquellos destinados a la basura. No es cualquier pintura la que toma como punto de partida, sino ésa que nace del hobby o del estudio tradicional de las formulas clichés del paisaje, de los mares y los barcos. Estos cuadros quizás fueron realizados como ejercicios, o quizás como obras, no lo sabremos. Imagina en sus autores una ternura y admiración hacia la técnica y la academia, en parte naive y prejuiciosa , pero rescata ese amor capaz de idealizar con fe ciega. Adrie nos presenta “Plantas sobre el mar” como una condición concreta de la naturaleza que reúne en sus arpones lo olvidado. Ya con “Etéreas y brotes sobre agua” pierde lo literal de la vegetación, que se trunca en geometrías. Los brotes de madera no son troncos, sino formas recortadas de simple diseño y la atmósfera se infecta de semillas voladoras (panaderos) que no son otra cosa que un confite alegórico. Es el encuentro entre dos dimensiones paralelas, que se nutren mutuamente en el reciclado de ese amor del pasado.

REWORK

fotos de la muestra

RE BRINDIS

arrancó jueves 5, hasta el 24 de marzo

en los talleres

obras anteriores que inspiran la muestra

links para ver más

texto de la muestra